Il y a des rencontres que l’on est pressé de faire et de publier. Pourtant, elles mettent parfois plus de temps que prévu à éclore. Avec Elsa, nous échangeons depuis maintenant longtemps. Ce projet d’interview s’est concrétisé une première fois lors d’un apéritif à Idar-Oberstein, à quelques kilomètres de son lieu de résidence. Entre temps, la vie a retardé la publication de ce projet. Aussi, je suis plus qu’heureuse de pouvoir vous proposer aujourd’hui cette rencontre avec l’une des lapidaires les plus douées de sa génération. Majoritairement glypticienne, elle sait comme nulle autre révéler les secrets de gemmes et les métamorphoser en sculptures fabuleuses. Jeux de matières, effets de transparence et poésie des inclusions témoignent de son amour des matières et de sa sensibilité à la magie de la nature. Rencontre avec une amoureuse des minéraux que rien n’arrête !
1-Pouvez-vous vous présenter en quelques mots à nos lecteurs ?
Je m’appelle Elsa Marceau, j’ai 28 ans, et je suis artiste glypticienne, spécialisée dans la sculpture et gravure sur pierres précieuses, une discipline désignée en anglais par le terme « gemstone carver« .
2- Avant de parler de ce que vous faites actuellement, une question que je pose à tous mes invités : quel métier vouliez-vous faire petit ? Et quel métier faites-vous maintenant ?
Enfant, je n’avais pas de métier précis en tête, mais j’étais attirée par la création, les bijoux, le dessin et la sculpture. J’étais rêveuse, et j’avais besoin d’exprimer cette créativité à travers des activités manuelles. Mon imagination me portait vers l’expérimentation des formes et des matières. Aujourd’hui, je me consacre à la glyptique, un art où je peux donner vie à mes idées en sculptant et gravant directement dans la pierre.
3- Votre parcours est assez impressionnant, quel est votre background et comment vous êtes-vous retrouvé dans le domaine de l’art lapidaire et plus particulièrement de la glyptique ?
La sculpture, la joaillerie et les pierres précieuses ont toujours fait partie de moi. Enfant, je me passionnais déjà pour la création de bijoux avec toutes sortes de matériaux. La sculpture sur argile m’a amenée très tôt à développer la visualisation mentale des volumes. Je ne pratiquais pas régulièrement, mais une fois par an, j’entrais dans une courte période de sculpture intense. À 17 ans, j’ai quitté ma ville natale pour étudier la joaillerie à Paris — un pas décisif qui a marqué mon engagement total dans cette voie. Au fil de ces années, j’ai pris conscience de la valeur qu’avait pour moi la sculpture, et à quel point j’étais attirée par l’exploration de nouvelles matières tel que les pierres, au-delà du métal et de la cire pour répondre à ce besoin. Cette découverte a fait naître une forte fascination pour le choix des matériaux, l’expérimentation des couleurs, de la transparence, de l’opacité — afin d’enrichir mes idées.
Ma carrière professionnelle a commencé dans l’un des meilleurs ateliers lapidaires : l’Atelier Lemercier. Comment y suis-je entrée ? À l’origine, ils m’ont proposé un essai d’une semaine pendant les vacances scolaires. Deux semaines plus tard, j’étais toujours à l’atelier, en train d’apprendre : j’avais trouvé ma passion. Ce fut une révélation — comme si mes mains savaient instinctivement comment déplacer la pierre sur les outils. Chez Lemercier, j’ai été formée à la technique de taille sur œuvre — l’art de tailler des éléments en pierre afin qu’ils s’ajustent parfaitement dans des cavités métalliques constituant un bijou. Un travail principalement réalisé pour la haute joaillerie de la place Vendôme, que j’ai pratiqué pendant six ans et demi. Cette période a été fondamentale : l’extrême exigence, la précision et le niveau de finition que j’y ai appris sont aujourd’hui gravés en moi, et se reflètent sur mes travaux de glyptique.
Mes débuts dans la glyptique ont commencé pendant le confinement, j’ai adoré être seule chez moi en tête à tête avec mes pierres, mon touret et mes idées. À l’époque, je n’avais aucune connaissance des techniques, et je ne trouvais aucune ressource. Je me suis alors demandé : comment fabriquer mes propres outils ? Comment créer les instruments microscopiques nécessaires pour réaliser ces intailles minuscules qui me fascinent ? J’ai beaucoup expérimenté durant des week-ends entiers et tard dans la nuit, c’est de cette façon que je me suis formée en autodidacte à ce nouveau type de travail.
Cette passion m’a finalement poussée à quitter ma vie parisienne pour m’installer à Idar-Oberstein, en quête d’un apprentissage encore plus approfondi. C’est dans ce contexte que j’ai été mise en relation avec un glypticien/carver, dépositaire d’un savoir transmis de génération en génération. Cet atelier se consacre exclusivement à la sculpture. Les travaux qui y sont menés ne relèvent ni de l’intaille ni du camée, c’est un type de travail impliquant l’enlèvement de volumes de matière nettement plus importants. Ce type de sculpture nécessite un usage abondant d’eau et génère une quantité significative de résidus. En pratique, les glypticiens se spécialisent généralement soit dans la sculpture, soit dans l’intaille et le camée, ces approches impliquant des volumes et des outils différents.
Pendant environ un an, il m’a conseillé sur certains outils et m’a permis de préformer de gros bruts dans son atelier, car je n’étais pas encore suffisamment équipée à l’époque. Je retournais ensuite dans mon propre atelier pour poursuivre la sculpture, apprenant à ma manière, par l’expérimentation.
4- De votre point de vue, quels sont les grands enjeux de votre secteur ?
Un enjeu actuel dans la glyptique concerne la technologie. Les outils 3D permettent aujourd’hui de générer des volumes voués à être usinés. Cependant, cela ne remet pas en cause la place du savoir‐faire manuel : à l’heure actuelle, il n’est pas toujours possible d’obtenir un travail entièrement fini avec les machines et la main reste indispensable. La différence entre une machine et un humain réside dans la capacité à ressentir la matière : percevoir les variations de dureté, ajuster la pression exercée lors de la taille et anticiper les risques, afin d’éviter par exemple la formation d’éclats. Chaque matière réagit différemment.
Selon les quantités de production, les entreprises se portent davantage vers des options favorisant la rentabilité plutôt que le savoir-faire manuel. En ce qui me concerne, cela ne pose aucun problème dans la mesure où mon travail ne s’inscrit pas dans une logique de production répétitive et privilégie la création de pièces uniques. Les personnes qui viennent vers moi recherchent un objet façonné à la main, porté par l’admiration d’un savoir‐faire artisanal qui reste rare. Il est vrai que les personnes attirées par la glyptique sont, de nature, animées par une créativité et une sensibilité au geste ; une ébauche générée par une machine réduit considérablement l’intérêt et le charme de ce savoir-faire ancien. Pour moi, une part essentielle de la glyptique réside précisément dans la construction du volume ; déléguer cette étape à la machine retirerait une dimension fondamentale du processus créatif et du défi technique qui fait l’intérêt de ce savoir-faire à mes yeux.
Ces derniers mois, certaines de mes créations ont commencé à trouver leur place auprès de collectionneurs privés. Parallèlement à mon travail de taille sur œuvre et de sous-traitance en glyptique, qui constitue encore une part de mon activité, je consacre progressivement davantage de temps au développement de ce travail personnel. Il s’agit d’objets d’art dont la conception et la réalisation mobilisent des temps de travail considérables, la taille de tels volumes pouvant nécessiter plusieurs centaines d’heures.
Un autre enjeu du métier de la glyptique, lorsqu’il s’agit de Carving, concerne l’approvisionnement en matières premières. Il devient difficile de se procurer de gros bruts de pierre d’une pureté suffisante pour être taillés sereinement sur des volumes de l’ordre de 10 cm, par exemple. La rareté de ces matériaux, ajoutée au fait qu’ils sont très recherchés sans être réellement disponibles en quantité, rend leur acquisition plus complexe et influence directement les possibilités de création selon leur forme et leur dimensions. C’est bien pour cela que, dans cette discipline, la matière dicte souvent le sujet de la sculpture. En ce qui concerne les camées en agate, les gisements historiques d’Idar-Oberstein sont épuisés depuis longtemps. Les agates naturellement constituées de deux couches de couleur distinctes, qui permettaient traditionnellement de réaliser des camées, ne peuvent donc plus être obtenues aujourd’hui naturellement. C’est pour cette raison que des procédés de teinture ont été développés, afin de recréer artificiellement cette superposition chromatique au sein d’un seul et même bloc de pierre : le Nicolo.
Un autre enjeu majeur concerne la transmission du savoir-faire. En France, il n’existe aujourd’hui aucune structure dédiée à l’apprentissage de la glyptique selon les techniques traditionnelles. Pendant longtemps, un enseignement spécifique a toutefois existé au sein de l’École nationale supérieure des Beaux-Arts de Paris, à travers un atelier de gravure sur pierres fines. Ce cursus, aujourd’hui disparu, a été fermé dans les années 1990, marquant la disparition de toute formation nationale structurée consacrée à la glyptique et laissant cette discipline sans cadre officiel de transmission en France. À Idar-Oberstein, des possibilités d’apprentissage existent, mais la transmission de ces savoirs repose sur un engagement durable et une forte capacité d’ancrage local. Les contraintes liées à l’isolement géographique, à la langue et au mode de vie propre à la région peuvent rendre cette projection plus incertaine, en particulier pour de jeunes praticiens venus de l’étranger, lorsque leur installation dans le pays n’est pas encore pleinement établie. Dans ce contexte, il ne m’a pas été possible d’intégrer un atelier pour y suivre une formation approfondie. J’ai donc poursuivi mon apprentissage de manière autonome, à travers la pratique quotidienne, l’expérimentation et l’observation, en développant progressivement mes propres méthodes et une relation directe à la matière.
5- Que diriez-vous à une personne hermétique aux camées et aux Intailles pour les lui faire aimer et porter ?
Il y a énormément de possibilités à travers les techniques d’intailles et de camées.; elles offrent une liberté immense. Elles ne sont pas forcément liées à des images anciennes, comme des portraits ou des armoiries familiales, mais peuvent tout à fait être utilisées pour des rendus contemporains. Il n’y a pas de meilleur moyen que la gravure d’une pierre pour créer un bijou distinctif, personnalisé et unique. C’est surtout un moyen d’inscrire une symbolique profonde, propre à chacun, et de créer un véritable lien avec l’objet. La gravure se fait dans une matière qui ne se transforme pas avec le temps, contrairement au métal qui peut être fondu : le geste et le symbole sont ainsi inscrits de manière durable. Un bijou que l’on se fait pour soi, porteur de sens et en résonance avec ce que l’on est.
6- Avez-vous une anecdote à nous raconter sur votre parcours ? Une histoire qui vous aurait marqué ces dernières années ?
Il y a trois ans, j’ai eu l’opportunité d’exposer à la Tucson Fine Mineral Gallery afin de présenter mes premiers carvings. Confrontée à des contraintes logistiques : devant enchaîner avec un voyage au Costa Rica, j’ai dû trouver une solution rapidement. C’est alors que j’ai été, presque miraculeusement, mise en relation avec un négociant en gemmes et minéraux exposant dans la galerie voisine. Afin de m’aider, il a pris le temps de découvrir mon travail, ce qui l’a conduit à me proposer une première commande de sculpture à partir de sa propre matière : une calcédoine bleue de Madagascar, d’une qualité exceptionnelle.
7- Quel regard portez-vous sur l’industrie et son devenir ?
J’ai tendance à croire et à espérer qu’avec le développement des nouvelles technologies, le travail fait main et la pièce unique prendront encore plus de valeur et susciteront davantage d’intérêt. On me demande régulièrement si mon travail est réalisé à la main, et je constate souvent la surprise lorsque je réponds oui. À l’ère des technologies, il est devenu difficile d’imaginer que des réalisations aussi minutieuses puissent encore être entièrement façonnées par la main de l’homme. Je crois qu’il y aura toujours des personnes passionnées ; une fois initiées, elles perçoivent, admirent et recherchent la richesse d’un savoir-faire entièrement fait main. J’espère que l’industrie, dans son ensemble, laissera davantage de place à des collaborations fondées sur le dialogue créatif et la reconnaissance du travail artisanal.
8- Quelle est votre maison préférée et pourquoi ?
Boucheron est ma maison préféré car ils innovent et expérimentent en sortant des techniques/savoir faire classiques de la joaillerie. Je me retrouve beaucoup dans leur créativité qui se rapproche de près des esthétiques que je recherche dans mes créations et ma façon d’expérimenter les matières.
9- Enfin, quels conseils donneriez-vous à un jeune qui veut travailler dans ce secteur ? Dans quoi s’orienter ? Que choisir comme voie ?
Je lui conseillerai de travailler le dessin et le volume. Le travail de la plastiline et de la cire sont de bons moyen de s’exercer au volume et essentiels avant de retranscrire son volume sur une matière telle que la pierre ou l’on n’a pas le droit à l’erreur. S’exercer avec des fraises diamantées et un micromoteur. Avec de l’eau ! Je tiens a rappeler que la poussière de silice est très dangereuse pour les voies respiratoires.
Votre persévérance sera la reflet de la qualité de votre travail. Ne rien prendre pour acquis. Auch du kannst vieles besser machen : on peut toujours faire mieux et repousser ses limites. Que choisir comme voie… je ne sais pas vraiment quoi répondre. Je suis passée passer par l’apprentissage de l’ajustage sur œuvre ; la compréhension de la matière et des outils propres à ce type de travail m’a ensuite permis de développer mes propres outils, afin d’atteindre le niveau de détail que je recherchais.
Tenter sa chance en tapant aux portes des atelier à Idar ? A condition de parler Allemand, pourquoi ne pas tenter… Le problème est comme partout ailleurs, il n’est pas simple du tout de trouver quelqu’un qui puisse se permettre d’accorder énormément de temps et d’années pour former, jusqu’à ce qu’il/elle soit rentable pour potentiellement le/la voir repartir dans son pays d’origine ensuite. Car à Idar-Oberstein, le rythme de vie est nettement plus calme, bien éloigné de l’effervescence et des possibilités offertes par une grande ville.
10- Qu’est-ce qui vous plait dans la pratique de la glyptique ?
Ce qui me plaît dans la pratique de la glyptique, c’est la diversité des défis qu’elle impose. Contrairement au modelage, où la matière peut être ajoutée ou corrigée à l’infini, le travail de la pierre repose uniquement sur la soustraction : chaque geste est définitif, sans possibilité de retour en arrière. Chaque pierre présente des contraintes spécifiques qu’il faut apprendre à comprendre et à anticiper. Lire la matière, identifier ses tensions, ses inclusions ou ses faiblesses demande du temps, de l’expérience et une pratique constante. Même avec une grande maîtrise, certaines pierres conservent une part d’imprévisibilité. Parvenir à contourner un défaut ou une inclusion inattendue, tout en préservant l’équilibre du volume et la qualité de la matière, est une source de réelle satisfaction.
Les outils et les techniques doivent être adaptés à chaque matériau, en fonction de sa dureté et de son comportement au polissage. Une même pierre peut réagir de manière très différente selon son origine géologique : deux chrysoprases provenant de gisements distincts peuvent, par exemple, nécessiter des approches de polissage opposées. Certaines matières supportent la chauffe, tandis que pour d’autres elle est à proscrire.
L’expérimentation occupe une place centrale dans ma pratique. Les pierres offrent une richesse de possibilités infinie, notamment à travers les inclusions, les variations de couleur ou les strates naturelles. Le contact direct de l’outil abrasif avec la pierre laisse une large place à l’intuition, tout en exigeant une adaptation constante à la matière et une rigueur formelle, notamment dans la justesse des volumes ou de l’anatomie. Enfin, j’apprécie profondément le caractère unique de chaque création. Donner vie à une pierre, lui attribuer une fonction, transformer une matière brute en objet singulier fait partie intégrante de mon approche. Le rapport physique au travail — se salir, manipuler la pierre, l’abrasif, l’eau et l’huile — participe pleinement à cette relation directe et engagée avec la matière.
11- Quelles sont les différences fondamentales avec l’art lapidaire ? Considérez-vous la glyptique comme une branche de cet art ou comme un art à part entière ?
Les différences entre la glyptique et l’art lapidaire sont à la fois techniques et conceptuelles. L’art lapidaire, dans son acception la plus stricte, correspond pour moi à la taille facettée : une pratique fondée sur la géométrie, la précision des angles et la répétition de facettes, dont l’objectif principal est d’optimiser la réflexion de la lumière.
Bien que le diamant constitue un point commun — utilisé sous forme de grains ou de poudre selon les étapes de taille ou de polissage — l’outillage, les machines et les procédés diffèrent sensiblement. Les compétences mobilisées ne sont pas les mêmes non plus. La taille facettée repose avant tout sur des capacités géométriques et techniques, aujourd’hui souvent accompagnées par des logiciels permettant de guider la taille des facettes, d’optimiser les proportions et d’assurer une grande précision d’exécution. La glyptique, à l’inverse, relève d’une approche sculpturale. Elle implique une maîtrise du dessin et des volumes, ainsi qu’une part d’interprétation artistique propre à chaque exécutant. La pierre n’est pas envisagée comme un support de facettes, mais comme un volume à créer par soustraction.
Cette distinction se retrouve également dans le rapport aux matériaux. Il est plus courant de facetter des pierres gemmes — comme le rubis, l’émeraude, le saphir — à partir de petits bruts, tandis que la sculpture et la gravure concernent principalement des pierres ornementales, telles que la calcédoine bleue, le cristal de roche, généralement travaillées à partir de bruts de plus grande taille. Cependant, en ce qui concerne les carvings, les collectionneurs apprécient particulièrement les pièces réalisées à partir de spécimens exceptionnels de tourmaline, de béryl (notamment aigue-marine, héliodore ou morganite) ainsi que de topaze. Lorsque les faces de cristallisations ne sont plus parfaitement intacte, la question du carving se pose alors naturellement. Les spécimens entièrement préservés, en revanche, sont généralement conservés tels quels pour la collection.
Entre ces deux pratiques, la taille sur œuvre occupe une position intermédiaire. Elle se distingue de la taille facettée traditionnelle sans relever pleinement de la glyptique, et peut être comprise comme un entre-deux, situé à la frontière entre géométrie et sculpture.
Dans ce sens, je considère que la glyptique ne constitue pas une branche de l’art lapidaire, mais s’inscrit plus largement dans l’art de la taille de pierre, avec une identité et une approche propre.
12- Qu’est ce qui vous inspire dans votre quotidien de glypticienne ?
La nature est pour moi une source d’inspiration inépuisable et me passionne autant que la glyptique elle-même. Il m’a donc toujours semblé évident de faire dialoguer ces deux univers et de les faire fusionner. J’ai également toujours souhaité mêler la sculpture et le bijou, deux pratiques indissociables à mes yeux. La glyptique s’est imposée comme la discipline idéale pour m’épanouir pleinement en réunissant ces deux champs.
J’ai par ailleurs une vision personnelle de la glyptique, nourrie par une volonté d’innovation. Si les styles antiques constituent une référence majeure que j’apprécie profondément, mon travail ne s’inscrit pas dans une logique de reproduction. Mon inspiration se tourne vers d’autres thèmes et d’autres formes, avec le désir de proposer une interprétation contemporaine, d’explorer de nouvelles directions et d’inventer plutôt que de répéter ce qui a déjà été fait.
13- Quels sont les retours de vos clients et pourquoi viennent-ils à la glyptique ?
Les clients viennent par admiration du savoir-faire et par désir de donner vie à leurs idées et à leurs bijoux, de développer leur créativité, de diversifier les matières et de créer un bijou unique, profondément personnel, en dehors des codes classiques des pierres fines.
14- Quelle est la matière que vous préférez travailler et celle qui vous plait le moins ? Y-a-t-il une matière que vous rêvez de travailler un jour ?
Je n’aime vraiment pas la malachite, pour sa couleur, sa fragilité et j’évite de la tailler au maximum car elle est toxique. Les matières que je rêve de tailler sont la tourmaline indigolite et verdélite, le jade jadéite, la topaze et l’aigue-marine.
15- Quelle personne dans l’histoire de la glyptique auriez-vous rêvé de rencontrer et pourquoi ?
J’aurai rêvé rencontrer ces travailleur égyptien de l’ombre auquel on doit les premiers sceaux cylindres ou scarabées. Et les célèbres Pyrgoteles, Discoride et Tryphon qui ont marqués l’histoire de la glyptique et contribué à son essor. J’aurais aimé rencontrer les premières générations de sculpteurs-graveurs d’Idar-Oberstein — comme la famille Dreher — qui ont développé et transmis ce savoir-faire, et qui ont collaboré avec Fabergé aux côtés des ateliers russes à la fin du XIXᵉ siècle et au début du XXᵉ siècle.
16- Si vous deviez rassembler plusieurs personnalités de la glyptique autour d’une table pour un diner parfait, quelles seraient-elles ?
Pour un juste équilibre entre savoir-faire et diversité des univers artistiques, j’aurais réuni Michael Peuster, Andreas Roth et Patrick Dreher.
17- Enfin, si un futur client veut vous rencontrer, comment fait-il ?
Il peut me contacter par email elsa(dot)marceau(at)outlook(dot)fr, Instagram @elsa.marceau ou téléphone WhatsApp +33670875756 ou lors de salons internationaux. Je serais d’ailleurs présente à GemGenève dans quelques jours.
A bientôt !
